Um produtor musical ou produtor de gravação é o supervisor geral de um projeto de criação musical cujas responsabilidades podem envolver uma série de funções criativas e técnicas de liderança. Normalmente, o trabalho envolve supervisão prática das sessões de gravação; garantindo que os artistas entreguem performances aceitáveis e de qualidade, supervisionando a engenharia técnica da gravação e coordenando a equipe e o processo de produção. O envolvimento do produtor em um projeto musical pode variar em profundidade e escopo. Às vezes, em gêneros populares, o produtor pode criar todo o som e estrutura da gravação. No entanto, na gravação de música clássica, por exemplo, o produtor atua mais como um intermediário entre o maestro e a equipe de engenharia. O papel é frequentemente comparado ao de um diretor de cinema, embora existam diferenças importantes. É distinto do papel de um produtor executivo, que está principalmente envolvido no projeto de gravação em nível administrativo, e do engenheiro de áudio que opera a tecnologia de gravação.
Variando de acordo com o projeto, o produtor pode ou não escolher todos os artistas. Se empregar apenas instrumentação sintetizada ou amostrada, o produtor pode ser o único artista. Por outro lado, alguns artistas fazem sua própria produção. Alguns produtores são seus próprios engenheiros, operando a tecnologia em todo o projeto: pré-produção, gravação, mixagem e masterização. Os precursores dos produtores musicais eram os "homens de A&R", que também podiam combinar funções empresariais, criativas e técnicas, mas frequentemente exerciam pouca influência criativa, pois a produção musical ainda se concentrava, até a década de 1950, em simplesmente melhorar a correspondência sonora da gravação com a apresentação ao vivo dos próprios artistas.
Os avanços na tecnologia de gravação, especialmente o advento da gravação em fita na década de 1940 - que Les Paul prontamente inovou ainda mais para desenvolver a gravação multipista - e a ascensão dos instrumentos eletrônicos na década de 1950, transformaram a produção musical em uma especialidade. Na música popular, então, produtores como George Martin, Phil Spector e Brian Eno lideraram sua evolução para o uso atual de técnicas elaboradas e sons irreais, criando canções impossíveis de se originar ao vivo. Após a década de 1980, a mudança da produção de analógico para digital expandiu ainda mais as possibilidades. Hoje em dia, DAWs, ou estações de trabalho de áudio digital, como Logic Pro, Pro Tools e Studio One, transformam um computador comum em um console de produção, pelo qual um novato solitário pode se tornar um produtor qualificado em um estúdio caseiro econômico. Na década de 2010, começaram os esforços para aumentar a prevalência de produtoras e engenheiras mulheres, amplamente superadas em número por homens e aclamadas com destaque apenas na música clássica.
Visão geral da produção
Como um projeto amplo, a criação de uma gravação de música popular pode ser dividida entre três especialistas: o produtor executivo, que supervisiona parcerias de negócios e financiamento; o produtor vocal ou arranjador vocal, que auxilia a performance vocal por meio de crítica especializada e coaching de técnica vocal, e o produtor musical ou produtor de gravação, que, frequentemente chamado simplesmente de produtor, dirige o processo criativo geral de gravação da música em sua mixagem final.
Os papéis do produtor podem incluir reunir ideias, compor música, escolher músicos de sessão, propor mudanças nos arranjos das canções, sugerir mudanças de andamento ou tonalidade de uma música, treinar os intérpretes, controlar as sessões, supervisionar a mixagem de áudio, e, em alguns casos, supervisionar a masterização de áudio. Um produtor pode dar controle criativo aos próprios artistas, assumindo um papel de supervisão ou consultivo. Quanto à qualificação para uma indicação ao Grammy, a Recording Academy define um produtor:
O produtor frequentemente seleciona e colabora com um engenheiro de mixagem, que se concentra nos aspectos especialmente tecnológicos do processo de gravação, ou seja, operar o equipamento eletrônico e misturar as faixas brutas e gravadas das performances escolhidas, sejam vocais ou instrumentais, em uma mixagem, estéreo ou som surround. Em seguida, um engenheiro de masterização ajusta ainda mais essa gravação para distribuição na mídia escolhida. Um produtor pode trabalhar em apenas uma ou duas músicas ou no álbum inteiro de um artista, ajudando a desenvolver a visão geral do álbum. Os produtores musicais também podem assumir o papel de produtor executivo, gerenciando o orçamento, cronogramas, contratos e negociações.
Desenvolvimentos históricos
Equipe de A&R
(Artistas e Repertório)
Na década de 1880, a indústria fonográfica começou simplesmente fazendo o artista se apresentar em um fonógrafo. Em 1924, a revista comercial Talking Machine World, cobrindo a indústria fonográfica e de discos, relatou que Eddie King, gerente do "departamento de artistas e repertório de Nova York" da Victor Records, havia planejado um conjunto de gravações em Los Angeles. Mais tarde, o folclorista Archie Green chamou isso de talvez o primeiro uso impresso de homem de A&R. Na verdade, não diz nem "homem de A&R" nem mesmo "A&R", um inicialismo talvez cunhado pela revista Billboard em 1946, e entrando em uso amplo no final da década de 1940.
Nas décadas de 1920 e 1930, executivos de A&R, como Ben Selvin na Columbia Records, Nathaniel Shilkret na Victor Records e Bob Haring na Brunswick Records tornaram-se os precursores dos produtores musicais, supervisionando a gravação e frequentemente liderando orquestras de sessão. Durante a década de 1940, as grandes gravadoras abriram cada vez mais departamentos oficiais de A&R, cujos papéis incluíam supervisão de gravação. Enquanto isso, estúdios de gravação independentes foram abertos, ajudando a originar o produtor musical como uma especialidade. Mas apesar de uma tradição de alguns homens de A&R escreverem música, a produção musical ainda se referia apenas à fabricação de discos.
Produtores musicais
Após a Segunda Guerra Mundial, gerentes de A&R pioneiros que transitaram influentemente para a produção musical, como agora entendida, às vezes possuindo gravadoras independentes, incluem J. Mayo Williams e John Hammond. Ao se mudar da Columbia Records para a Mercury Records, Hammond nomeou Mitch Miller para liderar as gravações populares da Mercury em Nova York. Miller então produziu sucessos country-pop de Patti Page e Frankie Laine, mudou-se da Mercury para a Columbia e tornou-se um dos principais homens de A&R da década de 1950.
Durante a década, os executivos de A&R cada vez mais direcionavam as assinaturas sonoras das canções, embora muitos ainda simplesmente juntassem cantores com músicos, enquanto outros exerciam virtualmente nenhuma influência criativa. O termo produtor musical em seu significado atual - o diretor criativo da produção de canções - aparecendo em uma edição de 1953 da revista Billboard, tornou-se generalizado na década de 1960. Ainda assim, uma distinção formal foi elusiva por mais algum tempo. Gerentes de A&R ainda podiam ser diretores criativos, como William "Mickey" Stevenson, contratado por Berry Gordy, na gravadora Motown.
Gravação em fita
Em 1947, o mercado americano ganhou gravação de áudio em fita magnética. No alvorecer da indústria fonográfica na década de 1880, em vez disso, a gravação era feita por fonógrafo, gravando a forma de onda sonora verticalmente em um cilindro. Na década de 1930, um gramofone a gravava lateralmente através de um disco. Limitado em alcance tonal, seja grave ou agudo, e em faixa dinâmica, os discos faziam um piano de cauda grande soar como um piano vertical pequeno, e a duração máxima era de quatro minutos e meio. Seleções e performances eram frequentemente alteradas de acordo, e tocar este disco - o master de cera - o destruía. A finalidade frequentemente causava ansiedade que restringia a performance para evitar erros. Na década de 1940, durante a Segunda Guerra Mundial, os alemães refinaram a gravação de áudio em fita magnética - removendo o limite de duração de gravação e permitindo reprodução imediata, regravação e edição - uma tecnologia que fundamentou o surgimento dos produtores musicais em seus papéis atuais.
Gravação multipista
No início da indústria fonográfica, um disco era obtido simplesmente fazendo todos os artistas se apresentarem juntos ao vivo em uma tomada. Em 1945, ao gravar um elemento musical enquanto tocava um disco previamente gravado, Les Paul desenvolveu uma técnica de gravação chamada "som sobre som". Com isso, a gravação final poderia ser construída peça por peça e adaptada, efetuando um processo de edição. Em um caso, Paul produziu uma música por meio de 500 discos gravados. Mas, além do tédio desse processo, ele degradava serialmente a qualidade de som dos elementos previamente gravados, regravados como som ambiente. No entanto, em 1948, Paul adotou a gravação em fita, permitindo a verdadeira gravação multipista por uma nova técnica, "overdubbing".
Para permitir o overdubbing, Paul revisou o próprio gravador de fita adicionando uma segunda cabeça de reprodução e chamando-a de cabeça de visualização. Juntando-se à cabeça de gravação pré-existente, cabeça de apagamento e cabeça de reprodução, a cabeça de visualização permite ao artista ouvir a gravação existente sobre fones de ouvido tocando-a em sincronia, "em sync", com a performance atual sendo gravada sozinha em uma faixa isolada. Esse isolamento de múltiplas faixas permite inúmeras possibilidades de mixagem. Os produtores começaram a gravar inicialmente apenas as "faixas base" - a seção rítmica, incluindo a linha de baixo, bateria e guitarra rítmica - enquanto vocais e solos de instrumentos poderiam ser adicionados depois. Uma seção de metais, por exemplo, poderia gravar uma semana depois, e uma seção de cordas outra semana depois. Uma cantora poderia realizar seus próprios vocais de apoio, ou um guitarrista poderia tocar 15 camadas.
Instrumentos eletrônicos
thumb|right|Phil Spector produzindo o Modern Folk Quartet, 1966
Ao longo da década de 1960, a música popular mudou cada vez mais de instrumentos acústicos, como piano, contrabaixo, violão e instrumentos de metal, para instrumentos eletrônicos, como guitarras elétricas, teclados e sintetizadores, empregando amplificadores e alto-falantes. Estes poderiam imitar instrumentos acústicos ou criar sons totalmente novos. Logo, ao combinar as capacidades da fita, gravação multipista e instrumentos eletrônicos, produtores como Phil Spector, George Martin e Joe Meek criaram sons inatingíveis ao vivo. Da mesma forma, no jazz fusion, Teo Macero, produzindo o álbum de 1970 de Miles Davis Bitches Brew, emendou seções de extensas sessões de improvisação.
Produtor-intérprete left|thumb|Brian Wilson durante uma sessão de gravação, 1966
Na década de 1960, bandas de rock como the Beatles, the Rolling Stones e the Kinks produziram algumas de suas próprias canções, embora muitas dessas canções sejam oficialmente creditadas a produtores especializados. No entanto, especialmente influente foi the Beach Boys, cujo líder da banda Brian Wilson assumiu de seu pai Murry em alguns anos após o sucesso comercial da banda. Em 1964, Wilson havia levado as técnicas de Spector a uma sofisticação nunca vista. Wilson sozinho produziu todas as gravações dos Beach Boys entre 1963 e 1967. Usando múltiplos estúdios e múltiplas tentativas de faixas instrumentais e vocais, Wilson selecionou as melhores combinações de performance e qualidade de áudio, e usou edição de fita para montar uma performance composta.
Produção digital